El Museo de Madrid expone una muestra que reconstruye el proceso creativo del artista para celebrar el centenario de su nacimiento.
En su filosofía (1925-2008), Robert Rauschenberg decía: «Hagamos cosas, es divertido», como dijo una vez su amiga Trisha Brown. Se refería a cosas tan extrañas como rompedoras para su época: colocar un águila calva pegada en un lienzo, una cabra clavada en un neumático encima de otro, o una manta y una almohada salpicadas de pintura, como si escurriera sangre, colgadas de una pared. Pero sus famosas pinturas combinadas, que redefinieron los límites de la escultura y sirvieron de puente entre el expresionismo abstracto y el arte pop estadounidense, fueron sólo una etapa de un artista polifacético que nunca se cansó de cambiar de registro. Cuando dominaba un proceso, lo abandonaba y a otra cosa. Eliminó las fronteras entre disciplinas, además de combinar la pintura con la escultura, el collage y los objetos encontrados en las calles de Nueva York, jugó con la pantalla, probó como fotógrafo y, a partir de los años 50, encontró en la danza su gran pasión. Tras el éxito de estas combinaciones estéticas, el estadounidense comenzó su experimentación con la serigrafía -bajo la influencia de Andy Warhol-, un nuevo tipo de técnica que se convirtió en la nueva base de su obra. Express, una de las obras maestras de esa etapa, es la única del célebre artista que pertenece al Museo Thyssen de Madrid, y este año la Pinacoteca ha querido celebrarlo con una instalación: Rauschenberg: Express. En movimiento, comisariada por Marta Ruiz del Árbol, que pretende desmenuzar el proceso creativo del artista y bucear en los orígenes de la pintura. «La obra suele colocarse en el museo en el lugar donde la historia la ha situado, pero Robert Rauschenberg es mucho más que una transición en etapas del arte. Con esta presentación pretendemos reivindicar por qué está completamente presente y por qué su legado continúa», afirma el comisario. Lo que presenta el Museo de Madrid, y que estará abierto al público del 3 de febrero al 24 de mayo, se enmarca en la conmemoración internacional del centenario del nacimiento del artista que la Fundación Robert Rauschenberg impulsa desde el año pasado con diversas actividades en todo el mundo, desde Nueva York a Honolulu. España ya se había sumado a la celebración con una exposición en la Fundación Juan March en la que se revisó el conjunto de su obra plástica para mostrarla como una práctica esencialmente fotográfica. El Thyssen es, de hecho, un pequeño y sencillo montaje en la sala 48 que muestra, sobre todo, un profundo trabajo de investigación que pretende reconstruir el proceso creativo del autor para engrandecer «una de las obras maestras de la colección moderna del museo», dijo su director, Guillermo Solana, en la presentación a los medios el lunes. La comisaria Marta Ruiz del Árbol, en la presentación de la muestra ‘ Express. En movimiento’. EUROPA PRESS (EUROPA PRESS) Express es un gran ejemplo de esta nueva técnica, la serigrafía, que enamoró al artista norteamericano. «Visita el estudio de Andy Warhol y queda fascinado por lo que hace. Le pide la serie de Marilyn y descubre las posibilidades de la serigrafía comercial aplicada al campo de las Bellas Artes. Pregunta al proveedor e inmediatamente empieza a trabajar con este procedimiento, digamos, mecánico», explica el comisario Ruiz del Árbol. Lo que hizo el norteamericano fue montar imágenes fotográficas impresas sobre paneles de seda que luego trasladó a sus lienzos, superponiéndolas y mezclándolas «sin jerarquía alguna», sigue del Árbol, a modo de collage. A la técnica que ya utilizaba Warhol, Rauschenberg la completó con pintura al óleo. «Se trata de una obra de transición. Cuando Rauschenberg empieza con una nueva técnica trabaja en blanco y negro, hasta que de repente, poco a poco, puede empezar a introducir el color. El primer color que introduce suele ser el rojo. Aquí vemos que está introduciendo el rojo», dice el comisario. Aunque la muestra no lo refleja tan fácilmente para el espectador -sólo hay unas pocas fotografías y un breve vídeo que acompañan a la gran obra-, lo que han hecho del Árbol y su equipo es rastrear el origen de ese batido de imágenes que componen el cuadro: un jinete sobre el caballo a la hora de saltar una valla, unas bailarinas en acción, un escalador colgado de su cuerda, o un desnudo que baja por una escalera -una referencia muy explícita a la famosa obra de Duchamp, presentada en el Salón Armoand de 1913-. El caballo es en realidad Snowman, la Cenicienta del caballo americano, que pasó de no ser nada a convertirse en un fenómeno, el desnudo lo saca de la revista Life, y la fotografía de las bailarinas es una que él mismo hizo. Esta última es, según el director del museo, la más importante de todas. «Sus obras se han interpretado a menudo como imposibles de interpretar, como la representación de la falta de sentido del mundo contemporáneo y de la vida humana. Pero esto es más que una lluvia de estímulos, es una pintura que parece muy clásica en cierto sentido y muy construida y articulada», afirma Solana. Para él, es una «apoteosis de la danza, una celebración de la danza». «Las imágenes que utiliza son la expresión de una cosa que la danza de vanguardia está buscando en este momento: los movimientos cotidianos, los objetos, lo absurdo de la vida ordinaria, rompiendo toda la sintaxis de la danza tradicional». Este tipo de exaltación del cuerpo humano en movimiento, incluidos los caballos que para Rauschenberg son muy humanos, son un nuevo concepto de danza», concluye. Transporte de las obras de Robert Rauschenberg, en la XXXII Bienal Internacional de Arte de Venecia, en 1964. Vega de plata. go Mulas (Cortesía Archivio Ugo Mulas, Milán) La serigrafía llegó a la vida del artista en un momento en el que entabló una relación creativa con la bailarina y coreógrafa Merce Cunningham, para cuya compañía trabajó como escenógrafo, vestuarista e iluminador. Se comprometió con lo que elevaba su trabajo escultórico, fotográfico o lo que fuera al tiempo libre que tenía entre las giras con el grupo. En 1963 dio el salto como coreógrafo y estrenó su primera obra, El pelicán, donde, además de realizar la escenografía, el vestuario y la iluminación, aparecía girando sobre patines con un paracaídas a la espalda, bailando en la oscuridad con una linterna atada a un pie. «Tenía muchas ideas extravagantes para ocultar que en realidad no era bailarín», dijo en una ocasión. El mismo año de aquel estreno, terminó Express. La obra también formó parte del conjunto que Estados Unidos presentó en la Bienal de Venecia en la que Rauschenberg recibió polémicamente el gran premio de pintura, convirtiéndose en el primer artista americano en recibirlo, un año después de su creación. «Sabemos que hubo una injerencia del Departamento de Información de Estados Unidos para que se concediera este premio. Fue un escándalo porque era sobre todo el relevo definitivo de la supremacía cultural de Europa a favor de Estados Unidos», dice el Árbol. En aquella exposición, por cierto, debido a sus dimensiones, casi todas las obras de Estados Unidos se exhibieron en un palacio del Gran Canal. Algunos de ellos, incluido Express, se trasladaron al recinto oficial tras la concesión del premio. El montaje del Thyssen muestra fotografías tan inverosímiles como seductoras del enorme cuadro, hoy profundamente mimado, paseando por los canales de Venecia, desnudo y desprotegido, o por las calles en brazos de un par de hombres -algunos en pantalón corto, camisa sin mangas y descalzos- que arrastran el polvo por el que caminan.
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La filosofía de Robert Rauschenberg (1925-2008) era, como dijo una vez su amiga Trisha Brown: «Hagamos cosas, es divertido». Se refería a cosas tan extrañas como rompedoras para su época, como pegar una cabra clavada en un neumático encima de otro, o una manta y una almohada empapadas de pintura colgando de una pared como si hubiera escurrido sangre. Sin embargo, sus conocidas pinturas combinadas, que redefinieron los límites de la escultura y sirvieron de puente entre el expresionismo abstracto y el arte pop americano, fueron sólo una etapa de un artista polifacético que nunca se cansó de cambiar el curso de la historia. Cuando supervisé un proceso, lo abandoné e hice otra cosa. Eliminó las fronteras entre disciplinas, además de combinar la pintura con la escultura, el collage y los objetos encontrados en las calles de Nueva York, jugó con la pantalla, probó como fotógrafo y, a partir de los años 50, encontró en la danza su gran pasión. Seguir leyendo.
