El creador, miembro de una saga de artistas santanderinos, recopila sus recuerdos y experiencias creativas en un libro de memorias.
Para José Cobo Calderón (Santander, 66 años) ha llegado el momento de publicar sus memorias. El escultor que ha plasmado en bronce tragedias como el incendio de Santander en 1941 -el mayor fuego sufrido por una ciudad europea en el siglo XX no causado por un bombardeo-, cuadros que en su día fueron cotidianos en el muelle de la bahía o los gags de los que fueron los payasos más famosos de España, los Hermanos Tonetti, recoge sus recuerdos, siempre a través del arte, en el volumen Mi vida y milagros ajenos, que presentó en junio en el Ateneo de Madrid y en la Feria del Libro. Más informaciónEl gemelo digital del «David ‘ de Miguel AngelCobo Calderón se graduó en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en los años 80, tras suspender hasta cinco veces su examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y abandonar los estudios de arquitectura. Posteriormente fue profesor en esa institución de la ciudad norteamericana hasta su regreso a Santander, donde -siempre mirando o frente a la bahía- se levantan algunas de sus obras más emblemáticas: el Monumento al incendio y reconstrucción, Los Rakers o la que conmemora el 50 aniversario del Piano Paloma O’Shea. Concurso Internacional Sobrino de uno de los compositores más trascendentales de la España del siglo pasado, Juan Carlos Calderón, y de los pintores Fernando y Ramón, su destino ya estaba escrito desde el día en que vio desde la cuna por primera vez el azul de la bahía y las verdes montañas de la Sanderina. Una bahía engañosa, pues a un paseante por el muelle le parecerá que apunta al sur y viceversa, o al menos eso dice en sus recuerdos. Pregunte. Algunos recuerdos en los que no se habla mucho de artefacto. Hablo mucho de arte, pero sin dar mi opinión sobre él. Me limito a describirlo y que las historias se expliquen solas. El arte se explica por sí mismo, como yo lo explico. Dice en una de sus páginas que el arte era tabú en su familia, que era muy conservadora. Sin embargo, entre sus miembros había artistas tan conocidos como sus tíos Fernando y Ramón y el compositor Juan Carlos Calderón. R. La verdad es que tardé en concebir a mis tíos como artistas. Pensó en ellos más como especies exóticas que traían flechas de sus excursiones a Brasil. Además, yo nunca decidí ser artista, lo encontré en el camino, casi como una casualidad. Me había matriculado en Arquitectura en Madrid y como quería fusionar mis primeras esculturas, como hobby simplemente, fui a la Fundación Eduardo Capa, uno de los principales fundadores de España. Allí empecé a frecuentar a muchos artistas que me hicieron tomar otro rumbo. P. En aquellos años setenta, en Madrid, abandonó bruscamente los estudios de arquitectura y le suspendieron cinco veces la admisión en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. El escultor cantabrista José Cobo posa en el Ateneo de Madrid. Andrea ComasR. Sí, fue un consuelo que lo mismo ocurrió con Rodin e incluso a Goya, y que Dalí dejó el» jurado «en su totalidad. Dice que cuando fue admitido en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC), el sistema era antagónico al de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde la copia prevalecía sobre el original. R. En la prueba de acceso a la escuela -en la que también seleccionaron a muy pocos aspirantes- tuvimos que hacer un carboncillo de una estatua clásica, un bodegón y una máscara. En el Art of Chicago tuvo que presentar 20 diapositivas de sus propios trabajos, es decir, se valoraba especialmente la creatividad. Aprobé el primero y conseguí una beca. No sé si en San Fernando se sigue aplicando el mismo sistema. P. Cree en sus recuerdos que el mundo del arte es confuso en los últimos años, ya que ha derivado en direcciones incomprensibles, incluso para los iniciales. R. Sí, porque el arte necesita una cronología, es difícil de interpretar sin ella. Era una cuestión de su evolución y estilos. Hoy es más el tema que el estilo. Se consiguen muchas cosas: ya no importa cuando un artista crea vídeos, esculturas, pinturas y cualquier otra cosa en varios estilos. P. En aquellos años, los ochenta y noventa, cuando empezó a desarrollar su arte en Madrid o Chicago, el arte figurativo, que es esencialmente el suyo, era calificado de retrógrado, frente a la vanguardia abstracta. ¿Sigue hoy esa tendencia? No. El figurativismo ha cambiado mucho y la figura humana se representa más como un símbolo. Algo parecido ocurre con lo abstracto. Las barras de acero de los edificios destruidos de Ai Weiwei no son abstractas, sino, sobre todo, simbólicas. El artista hace de sí mismo una figura sin armazón y no retrocede el molde, como hicieron, por ejemplo, Henry Moore y Rodin -que utilizaron las mismas herramientas y materiales-, sino que representa el lugar de la mujer en el mundo o la transformación del cuerpo humano. Sin querer ser pretencioso, estoy más en la filosofía del ser, donde estamos. Siempre he sido figurativa, pero quiero que sea la textura del material o el color lo que aporte algo a la obra. El discurso que domina hoy en el arte es el de la identidad, pero yo quiero desarrollarlo más como la identidad de la especie, no de una minoría o de un sector concreto. He tocado el tema de las colonizaciones, pero tangencialmente: en el Museo SAIC de Chicago hay una imagen del dios mesoamericano Xipe Tótec que está cubierta de pieles de animales desolados y también de víctimas humanas, y yo quería» enfrentarla «con un bronce pintado en el que lleva ropas típicas de las imágenes del barroco español. Cuando estaba en América, el colonialismo era uno de los temas que me preocupaban y, como español, me hacía preguntas. Miguel Ángel fue su principal inspiración cuando empezó a esculpir. R. Sí, y por eso Roma pasaba horas ante sus obras. Pero nunca he sido un artista de estudio. No iba con lápices ni cuadernos, sino que me limitaba a mirar. Siempre intento mirar hacia fuera, hacia la gente y las ciudades, y mi escultura es producto de ello. Intento comprender el mundo, pero no explicarlo, porque no tiene explicación, como el arte. En Roma existe la tentación de dejarse atrapar por la historia y allí conocí a muchos estudiantes de arte que se acercaban a ellos. Pero en Chicago me convencí de que siempre hay que hacer algo diferente, aunque esté diciendo una obviedad. La eternidad está enamorada de las obras de cada época, según William Blake, y el arte siempre ha tendido a representar una época. El arte siempre ha tendido a representar un tiempo. «Velázquez es eterno por barroco y Monet, universal por ese momento en que se analizó la incidencia de la luz en la pintura. Hoy me gusta representar nuestra cosmología, nuestra relación con la ciencia. Las composiciones en las que estoy ahora incluyen niños que represento como especímenes, más que como individuos, que desafían la gravedad y se basan en la unión de varias mentes. Tiene que ver con cómo entiendo el mundo actual, no somos de una pieza sino de varias relaciones. La humanidad actual no se define por el David de Miguel Ángel como un ser individual, sino por una serie de relaciones. P. Un día en la Basílica Vaticana está junto a la Piedad del Ángel Miguel y de repente empieza una misa, con los sonidos del órgano, el coro celestial. . . Sentía que ése era el núcleo de su religión de niño, la promesa de una vida eterna mejor. . . y rompió a llorar porque no creía. . . Por supuesto, me encontré con mi propio origen, mi identidad, pero estaba desolado.
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Es hora de que José Cobo Calderón (Santander, 66 años) publique sus memorias. El escultor recoge sus recuerdos, siempre a través del arte, en el libro Mi vida y milagros ajenos, que presentó en junio en el Ateneo de Madrid y en la Feria del Libro. Ha plasmado en bronce tragedias como el incendio de Santander en 1941, el mayor fuego sufrido por una ciudad europea en el siglo XX no causado por un bombardeo. Seguir leyendo.
