El Festival se adentra en la separación entre los festivales europeos y los «grandes» el día del estreno de la única gran apuesta del sector: un documental sobre el regreso de Oasis y de «Primetime», una película independiente sobre la televisión basura estadounidense.
La distancia entre los festivales de cine europeos y las grandes productoras de Hollywood se disipa en el Festival de Venecia. La única gran apuesta industrial se proyectó el sábado fuera de competición, dentro de la sección «Venice Open». Se trata de un documental de Disney de dos horas de duración sobre el regreso a los escenarios de los hermanos Liam y Noel Gallagher con su grupo Oasis. Sin interés cinematográfico, se estrena el 10 de septiembre con el título *Oasis: Don’t Look Back in Anger*, y está dirigida por Dylan Southern y Will Lovelace con guion de Steven Knight. Más información: Los primeros indicios de una ruptura, quizás definitiva, entre los festivales y los grandes estudios se detectaron la pasada primavera en Cannes. En un principio, se esperaba que el estreno de *El día del juicio final*, la última película de Steven Spielberg, tuviera lugar en La Croisette, pero la obra —ajena al estilo habitual del director de *E. T. * — siguió su curso fuera del circuito de festivales. La razón principal es que la ventana de estos macroeventos se ha convertido en un paso arriesgado e innecesario en la preparación de las mastodónticas producciones de Hollywood. No compensa el coste ni el riesgo de que los primeros espectadores sean los críticos internacionales, una exposición temprana que puede afectar más a las cuentas de las producciones millonarias de Hollywood. En Venecia citamos lo que ocurrió aquí en 2024 con *Joker: Folie à Deux*. La secuela de *Joker* —una superproducción que en 2019 se alzó inexplicablemente con el León de Oro— fue aplastada en el Lido, un tropiezo que hundió su posterior taquilla mundial. Todo empezó a cambiar tras la pandemia gracias al director que ha marcado la nueva tendencia industrial: Christopher Nolan. El nuevo abanderado del blockbuster de autor ha evitado en sus tres últimas películas —Tenet, Oppenheimer y ahora La Odisea— pasar por Cannes o Venecia, los dos festivales internacionales más influyentes, para convertirse en el nuevo fenómeno de la taquilla de verano. Nolan, que a menudo sufre el desdén de la crítica de festivales, ha demostrado que, al menos, puede sentirse legítimo sin tener que someterse a su escrutinio. El director estadounidense Lance Oppenheim y el actor Robert Pattinson posan durante la sesión fotográfica de «Primetime» en la 83. ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, el 5 de septiembre de 2026. FABIO FRUSTACI (EFE) En la primera jornada de Venecia, su director, Alberto Barbera, admitió sin demasiada preocupación la ausencia en el Lido de la habitual comitiva de los grandes estudios, tras unos años en los que La Desca parecía disputarle el cetro a Cannes a base de programar películas destinadas, en muchos casos, a la carrera por los Óscar. Barbera reconoció que los cambios de fechas en algunos estrenos y otros «contratiempos» habían obstaculizado la programación de la edición actual al afirmar: «Mi impresión es que Hollywood está atravesando una crisis que todos vemos». También lamentó algunas de las ausencias más notorias de este año en Venecia, como la de David Fincher, con *Las aventuras de Cliff Booth*, la secuela de *Érase una vez en Hollywood*, con Brad Pitt y guion de Tarantino, y la de Alejandro González Iñárritu con *Digger*, protagonizada por Tom Cruise. En menor medida, también destacan las ausencias de *The Social Reckoning*, de Aaron Sorkin, y de *Artificial*, de Luca Guadagnino, quien estará presente en el Lido con las más de siete horas de *Joie de vivre*. Apuntes, pensamientos, palabras, reflexiones, rostros, visiones sobre Bernardo Bertolucci y la cinefilia del siglo XX que ya no existe. El interminable título podría traducirse como algo así como «La alegría de vivir». Apuntes, pensamientos, palabras, reflexiones, rostros, visiones sobre Bernardo Bertolucci y la cinefilia del siglo XX que ya no existe. La proyección del sábado de *Oasis: Don’t Look Back in Anger* puso de manifiesto la crisis. En la sesión de las 8:00 de la mañana en la enorme sala Dársena, siempre llena, ni siquiera la mitad de los asientos estaban ocupados. El vacío era lógico: se trata de una obra repetitiva y sin atractivo visual sobre el reencuentro, quince años después de la separación de los hermanos Gallagher. Sus directores, Dylan Southern y Will Lovelace, presentan un montaje plagado de lugares audiovisuales manidos para viajar desde los años noventa hasta el presente a través de la gira de reencuentro. El resultado es de una sencillez absoluta: la necesidad fraternal de perdón y sanación, que vivimos tiempos convulsos y Oasis ha vuelto para salvarnos, que son un grupo del pueblo y para el pueblo, el fútbol y la mística del hooligan. Una imagen de la película «Oasis: Don’t Look Back in Anger», de Dylan Southern y Will Lovelace. En resumen, los temas de estos superyós (pero simpáticos), mezclados con himnos de escenario para los cincuentones (y sus hijos), el gorro de cubo, la parka y mucha Adidas con la fraternidad de la gente de a pie. No faltan las canciones de siempre e incluso el sermón de un sacerdote. Desde su púlpito, un sacerdote celebra la gira con la pregunta de San Pedro a Jesucristo: «Señor, ¿cuántas veces tengo que perdonar a mi hermano? ». «¿Incluso siete veces? » Las imágenes no dejan claro si los Gallagher han vuelto y se han ido tantas veces. Y aunque Noel afirma que no olvida, parece que ni siquiera necesitaron hablar para volver juntos al escenario y reconciliarse. Ahora se abrazan, se quieren y no beben. En este mundo polarizado y sin esperanza, reitera la película, lo necesitamos. Sello de prestigio frente a la artillería millonaria de Disney, la otra película del día fue la primera ópera del documentalista Lance Oppenheim. Un ejemplo perfecto de cómo el vacío que dejan los grandes estudios en los festivales beneficia a distribuidoras y productoras independientes como la estadounidense A24, que, sin campañas multimillonarias, se ha convertido en un sello muy bienvenido en los festivales. Hasta ahora, Oppenheim era conocido por sus documentales, como *Ren Faire*, sobre la estrafalaria sucesión en el «trono» del mayor festival renacentista de Estados Unidos. Su debut está protagonizado por Robert Pattinson y se inspira en la problemática realidad de los años 2000 de *To Catch a Predator* y en la figura de Chris Hansen, su presentador. «Mi primer contacto con el programa fue a través de las parodias que se hacían de él, concretamente en South Park o en páginas web del tipo EBaum’s», recordó ayer Oppenheim en el Lido. «Hansen era una especie de mito que se había hecho famoso por presentar un programa de entretenimiento con un tema tan serio y oscuro». La idea de llevar la historia de este programa al cine surgió de Pattinson, coproductor de la película. «Lance y yo estábamos trabajando en un documental y, cuando un amigo me pasó el guion, pensamos en él porque su estilo, que yo describí como documental, encajaba muy bien con el material». Según el director, lo que más le interesaba era la extraña mezcla de realidad y ficción del propio programa, en el que todo (las casas, los menores) era falso, excepto los hombres que caían en su trampa. «Para mí, el reto consistía en crear una película sobre un programa real que resultara mucho más extraño e irreal que una ficción», explicó Oppenheim. Robert Pattinson en Lance Oppenheim. *Primetime* pretende ser una fábula moral, pero, a pesar de su interés, acaba aplastada por su propia estética, una especie de expresionismo fluorescente que, con sus colores saturados, propone esa realidad paralela de la que habla su director. Construida a través de cámaras de vigilancia, cintas de vídeo y otros elementos analógicos, es posible crear ese efecto de irrealidad que busca la película. Lo mejor de esa superficie visual a la que se alude es que existe, pero el problema de fondo radica en esa fascinación por la arquitectura del programa. To Catch a Predator no es una ficción, es un programa real que «cazaba» a hombres enfermos de verdad para conseguir audiencia. Oppenheim señala este horror al final (Primetime es una película de terror con el grano deformado de la televisión basura), pero no profundiza en la oscura psicología de su protagonista, Chris Hansen, ni en la de su grotesco equipo. Tampoco en la idea del cazador cazado que vivió el propio Hansen en una aventura extramatrimonial que lo enfrentó a los hilos de los medios de comunicación. Solo el falso niño actor que interpreta Skyler Gisondo va un poco más allá. Es el único personaje que realmente se pregunta qué está haciendo en ese pozo del entretenimiento capitalista. La sensación que deja *To Catch a Predator* es, en el fondo, la de una película impotente. Tiene una buena envoltura, pero es incapaz de llegar a lo importante, a lo aterrador que se encuentra en el fondo del abismo en el que se sitúa. Oppenheim declaró ayer en el Lido algo impactante: que *Close Up*, de Abbas Kiarostami, cambió tanto su vida como el programa de televisión que inspiró su película. ¿Se puede saborear con el mismo placer el mejor caviar y la peor hamburguesa? Esta bulimia, que se basa en una cinefilia prestigiosa capaz de asimilar al mismo tiempo cualquier basura de la cultura popular, es un componente del problema de la crisis creativa del cine estadounidense contemporáneo, incluido su tótem industrial, Hollywood. Un fetiche cinéfilo que ha atravesado todo tipo de pantallas secundarias de las que solo surgen monstruos inesperados.
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El Festival de Venecia ocupa todo el espacio que separa a los festivales de cine europeos de las grandes productoras de Hollywood. La única apuesta industrial significativa se proyectó el sábado fuera de competición, dentro de la sección «Venice Open». Este documental de Disney, de dos horas de duración, narra el regreso a los escenarios de los hermanos Liam y Noel Gallagher con su banda Oasis. Se estrena el 10 de septiembre con el título *Oasis: Don’t Look Back in Anger*, y está dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace, con guion de Steven Knight y sin interés cinematográfico. Sigue leyendo.
